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浪漫的公路片。

上周终于看了《为子搬迁》。

看完之后我才知道这是萨姆

周末的时候，小凤突然在Q上弹出一条消息：你知道为什么杨过要跳崖吗？

我说，不知道……

解惑曰：父是康。

……

实际上，最近关于富士康事件的报道，我个人的定义是：中国农二代的生存状况第一次受到了最广泛公众视野的关注。

在关注完80后的生存状态，如逃离京广沪之类的，实际上媒体及我们的父辈都已经认识到昔日所谓什么小太阳啊小皇帝啊之类的众星捧月的80后时至今日已经沦落到怎样的一个窘态。2010年，是80后的第一代的而立之年，而适逢高考扩招、教育改革等等一系列所谓新政之后的这一代，正在为我的GDP买单。如果说，象征着被高学历的我们在拜金主义的大潮下尚有一线生机，也就是我们在追逐财富之外还存在着其他精神层面的追求，比如我们会每天看一部文艺片，每天听几张新专辑，不时地上卓越当当之类，至少在物质世界无法达到某种境界的时候，我们在精神世界可以保持一种意淫，但与我们同龄的农二代又如何？

在跟朋友聊天的时候，我们常常提起Town这个词。在中国，Town代表了愚昧，无知，小镇青年，贫瘠，打麻将，啃老族，绝望，等等。而通过美剧和美国电影，我们发现在西方世界里，Town代表的是一种自给自足的生存环境，有便利店，有咖啡厅，有快餐店，有篮球场，每家每户的草坪小屋，而且没有70年的使用期限，周末一家人开着小车去City里面购物，满满一车子回来。而美国的小镇青年也有他们的梦想，如《轮滑女郎》中的佩吉妹一样，虽然德克萨斯州总给我们山寨土气的感觉，但Town里的每一个青年都有所追求，即使是只在快餐店里工作。

但中国不是。

作为一个从小镇里出生长大的青年，我太明白这一切了。幸好我的父母从小就给我配置了386、Dos、Win3.2，尽可能地给我不亚于City中的小朋友的成长环境。但我的农村亲戚们，叫我老表的同龄人们，他们在做什么？

韩寒最近的一篇博客《青春》被大家狂顶，其实我想说，我所在的小镇情况比这个恶劣得多。

当农二代不会做农活，不肯下田再做农活的时候，他们选择混吃等死。如果他们有其他选择，那就来富士康吧。如果他们发现作为逃避农活的最佳选择——富士康，日复一日的机械操作，明明知道外面如此丰富的物质世界一砖一瓦都出自自己的劳动，但这些劳动成果却是可望不可即的是时候，也没有文艺青年纠结的内心和其他精神依托，面对如此绝望，那么，他们就跳吧！

正如和菜头所说：我诧异的是为什么这么多人不跳！！

我的HK表弟问我，为什么我们的父辈，比如在印刷厂的大姑姑，在织布厂的小姑姑，以及曾经在水泥厂、糖厂、砖厂都工作过的我的爸爸，同样是日复一日的重复，为什么他们没有跳？

答曰：1，都是平房。2，他们没有互联网。

传闻郭总要把富士康搬去西部，我建议，不如搬去朝鲜思密达。

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小樱@爱细细 11:10:18
中国移动，傻逼么

小樱@爱细细 11:10:24
在香港推一个wlan业务……

小樱@爱细细 11:10:31
难不成不知道人家是全城wifi么……

小樱@爱细细 11:10:34
傻逼到一定程度

月三 11:11:45
知道的

月三 11:11:50
你以为上面的人是傻逼

月三 11:12:01
为什么建站要670万

月三 11:12:11
这个业务推广费估计也是这么多钱

小樱@爱细细

　　我明白《Hopes And Fears》在各位心目中的地位，但你不能指望一个乐队永远只敲打着架子鼓和黑白键就可以这么一辈子。我也明白大家对主唱Tom Chaplin娃娃脸金嗓子的推崇，还有Kean本身大气磅礴的抒情，尤其是当年Live 8时，Keane登场，一曲《Bedshaped》，唱至半响，Tom突然一句“Get Some Nosie？”全场哗然，激情四射，让我至今记忆犹新。但是，一个乐队如果好到连陆毅之流都表示“很喜欢”，并还正儿八经地在自己专辑里面翻唱一遍的，我相信这种“好”还是有足够提高空间的。

　　Keane自从一鸣惊人之后便一直不讨好。确实，他们的求新求变实在让许多人大跌眼镜，新专辑《Night Train》依旧如此。从文案上看，《午夜列车》是乐队在巡演中乘坐火车穿梭于不同的城市与国家之间，将巡演时的热情与孤独并存的状态记录下来的一张专辑，但实际上我更在乎从专辑名开始就透露出的迷人气息。从《深海之音》（Under The Iron Sea）到午夜轰鸣，Keane在电音的路子上越发坚定。摇滚乐队抛弃老本行，这实在太平常了，尤其是英伦乐队在吉他流行曲大潮过后更需要一个新的动力，无论是跟彻底的Radiohead还是兼容并包的Coldplay已经做出了表率。Keane实际上一开始就并没有固定自己的风格，他们还是一支年轻的乐队，更加不应被风格之类的束缚。

　　《午夜列车》是一张很耐听的专辑。如果你被《Back In Time》充满了锐气的前奏吓倒，千万别慌张，Keane依然还是那个Keane，只是在节奏和编曲上更为激进，在听过几次之后你会发现这首歌曲的优美程度并不亚于过往。献唱今年世界杯主题曲《Wavin‘Flag》的K’Naan在专辑中与Keane合作了《Stop For A Minute》，作为整张EP最大亮点，K‘Naan并不单止展现其在Rap上的天赋，其对Melody的掌控也让人印象深刻，副歌部分与Tom的合唱相当欢乐。另一首双方合作的歌曲《Looking Back》同样在欢乐的氛围中拉开序幕，尤其是史泰龙主演的经典动作大片《洛奇》（Rocky）的电影主题音乐被直接升Key当作前奏及这首歌曲的主旋律动机，直接让快乐升级。和《Stop For A Minute》有所区别的是，K’Naan这次唱得少说得多，Tom在其Rap的背后隐隐约约传来的海豚音是亮点。当Coldplay与Jay-Z的跨界合作取得了巨大的成功之后，Keane也很好地领会了其中精髓，很好。

　　Keane在新专辑中始终保持着开放的心态，《Ishin Denshin》就是最好的证明。在由坂本龙一领军的日本传奇电音新浪潮团体Yellow Magic Orchestra的作品中，《以心电信》本就是我最喜欢的一首，没想到Keane的键盘手Tim Rice-Oxley跟我是同好，在一次YMO的现场归来之后就决心要翻唱这首歌（看的是复出演唱会吧……）。而YMO代表性的日式发音也被保留了下来，keane特地请来了日本女歌手Tigarah完成了日文部分，包括YMO大致的编曲架构也被完整地保留了下来，这样便完成了一次混搭的奇妙之旅。同样由Tim首次主唱的《Your Love》作为专辑中最电子最舞曲的一首，从风格上也相当接近YMO.Tim的这次亮声要多亏了在巡演中累坏的嗓子Tom，而Tom很好地利用了这个机会证明了自己在演唱方面同样无比优秀。

　　最后的一首《My Shadow》则满足了那些怀念《Hopes And Fears》风格的歌迷胃口。当然确实也有看到Keane在往Coldplay学习的劲头。

　　虽然官方将《午夜列车》列入EP范畴，但实际上这张有着8首歌曲容量的专辑有着深厚的内涵。在第三张大碟《完美对称》（Perfect Symmetry）之后，Keane已经越发明朗地寻找到了自己前进的方向。即使你批评他们的身上总是有RH、Coldplay、Gorrilaz甚至是Mika的痕迹，但这都无法阻挡Keane的步伐。

（http://music.yule.sohu.com/20100526/n272362810.shtml）

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刘若英《在一起》
发行时间：2010-04-16

年跨40的大龄文艺剩女，仍然在唱着自得其乐的情歌。刘若英在音乐、电影和书中反复重申自己的人生态度：我们本可以在一起，却没有在一起；我们在一起了，却发现不适合在一起……这些梦呓一样念叨了十几年的话，让奶茶变成了祥林嫂。当然，她的知性和寂寞固若金汤，成为了唱片公司乐此不疲的摇钱树，我们再指望她变成陈绮贞，或者张悬，都是白搭。就是这样一个奶茶，在新专辑中唱着《我们没有在一起》，就一如几年前她唱的“当孤单已经成为一种习惯”，你还买账吗？同样的，如今的奶茶除了在音乐主题上一成不变，其总体风格、大致旋律也不会有太大出入。换句话说，如今的奶茶对于她的老听众来说实在太过地审美被疲劳了。如果你选择了她，就不得不接受这样一种没完没了的方式。

雷光夏《她的改变》
发行时间：2010-05-14

相比于陈珊妮、陈绮贞在内地的知名度，雷光夏的名气大逊一截，但这并不意味着她的音乐品质不如前者，行内人称她是“隐形气质才女”，拥有一把“民谣噪音”。2006年雷光夏推出《黑暗之光》，仅一张就足以让她配得起这样的称号。《她的改变》是雷光夏和音乐人侯志坚一并操刀的《第36个故事》电影原声大碟，两人取了“雷猴乐队”这样的搞怪名堂。雷光夏跳脱的音乐才华、众多音乐人的助力、以及知名弦乐团的倾力加盟，使《她的改变》超越了电影原声的范畴，专辑大可以作为一张独立的完整作品反复聆听。在断断续续的乐曲声中，雷光夏独特的个人魅力相较之前更加地一发不可收拾，而她的艺术家本质还有让人捉摸不透的神秘感，在这张整体氛围更为内敛和幽暗的专辑中发挥到了极致。或许一遍下来你没办法记住某段旋律，或者某段唱词，可你会记住这张充满了朦胧美的专辑。但是，如果你只惦念着桂纶镁，那么还是等待电影吧。

蓝又时《伦敦的爱情》
发行时间: 2010-05-07

在台湾偶像剧《终极一班》、《白色巨塔》中献唱的蓝又时，以醇厚的声线和歌曲本身流畅的旋律为人们所记住。《伦敦的爱情》是蓝又时的第二张创作专辑，纯熟的钢琴创作技巧、文艺气息的词曲编排，让专辑在芭乐以外多了几分内涵。爱情在专辑中被反复诠释，那个曾经唱着《秘密》的小女生，到了《鱼的泪》、《圆规》里，还是一样的直抵内心，只不过，她刻意褪去了过去的甜美，取而代之的是更加知性沉稳的声线、更加舒展的治愈系创作风格。作为当下台湾一众新人中的一位，其目前的风头暂时未可与徐佳莹匹敌，但上佳综合实力尤其是外表上的优势，对于其成长为下一个美女创作接班人确实是大有裨益的。

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　　在今年年初的时候，当《熊猫侠》粉墨登场时，我写过一篇《周董，你还会出唱片吗？》。在文章的第一句中，我用文人嗟叹式的口吻写到：“一个时代的开始，也意味着一个时代的垮掉。”

　　没想到，周杰伦的新专辑竟真的命名为《跨时代》。

　　和周杰伦过往的作品一样，《跨时代》一经推出就受到了歌迷与媒体的关注。请注意，是关注，而非追捧。和过往的古典宫廷风Cosplay风不一样，周董这一回并没有抛出太过明显的主题和噱头，这让专辑看起来较为松散。《说了再见》是典型周董式苦大仇深情歌；《烟花易冷》抱定中国风这一朽木，如歌中所说“盘踞着老树根”，这样模糊地咬字注定又会成为网友恶搞的对象，无须解释各位都懂的；至于同名主打，只能用意料之中形容——周董已经多少次用这种风格的歌曲做opening了？

　　同样意料之中的是，在《魔杰座》中已登峰造极的新幼齿造作派唱腔在跨时代里面继续被发扬光大，如《雨下了一晚》听得我是满身鸡皮疙瘩。实事求是地说，周董还是太纯爷们了，这种东方古韵江南小调千回百转不应该成为他的所谓杀手锏，如若换一位女歌手来演绎应该是一首好歌。

　　正如《跨时代》所示，周董希望在21世纪第二个十年的时候继续自己的丰功伟业，而在音乐上所碰到的只有不断复制自己的瓶颈以及歌迷的审美疲劳、还有不断涌上来的后浪们，他曾经一度选择了影视事业，没想到竟成为了烂片王、票房毒药。当周董在音乐上的建树被预支得透彻、信用度已经完全破产之后，重新回归音乐领域，又希望以一个“跨时代”的概念来重新出发。这一想法确实不是说说而已，如《爱的飞行日记》光看歌名还以为是梁静茹少女时代的作品，通过与杨瑞代擦出的流行摇滚范儿火花，也算是一首在噱头和可听度上都在合格线上的产品。周董这些年扶植周氏品牌，如南拳妈妈、杨瑞代以及最近的浪花兄弟，除浪花兄弟实在是太过Copycat而让人感觉相当鸡肋外，南拳妈妈和杨瑞代都属于有较强个人特色的音乐人，除了扶植，怎样从他们身上获得一些新的音乐灵感，包括如何更好地玩转跨界，增加自身音乐的层次感，这是周董需要解决的命题。《爱的飞行日记》是一个不错的示范。

　　另外我们注意到专辑中的一首歌：《好久不见》。其展现的是周董对当下年轻音乐脉搏的与时俱进，或者换句话说，周杰伦把他给江语晨的套路用到了自己身上。作为一个全能制作人，尤其是善于为女歌手打造小女生世界的制作人，周杰伦不妨可以把过往积累的经验用到自己的身上，以甜蜜爽朗直率的态度去获取认可，《好久不见》正是如此。在歌曲中周董还很聪明地将有趣的台语穿插其中，无疑增加了更多的亲民性。

　　当然，整张专辑最让人瞩目的是两首歌：《免费教学录影带》和《超人不会飞》。前者一开头先设置了一个场景戏，接下来是纯正的乡村布鲁斯吉他，并在歌词中戏谑到“你是不是感觉到，我的和弦都重复着；不错代表你的耳朵没有聋，Blues就是在重复这几个和弦；灵魂在左手，心就是宇宙，我弹的叫自由。”这是一首名副其实的教学录影带，可以期待之后的MV会拍成怎样。实际上，这样纯正的布鲁斯完全应该出现在《牛仔很忙》里面，还好现在也不晚。

　　至于后者《超人不会飞》则是真正地具有“跨时代”的意义。简单的旋律和编曲具有回归的意义，叙事性的歌词谈及拍电影、打狗、歌词入选教材、上CNN、上时代杂志封面等等近年来的工作成绩，在淡然中透露出无比的自信。即使周董把自己摆到怎么样高度，但听起来依然觉得其非常流畅自然。这首歌不仅在音乐性上出众，正如之前所说，它的难能可贵在于，周杰伦通过音乐非常坦诚地表现了他的精神世界，让广大歌迷在近年来罕有地从音乐作品中了解到他强大的内心，尤其是对他那有着坚实基础的自信（收视率除外）印象深刻。

　　在音乐中表达之我，这事情听起来简单但做起来却不容易，通常都是独立音乐的专属领域，复杂的团队运作下的流行音乐是没有所谓内心戏的，不是人人都能碰到林夕之于王菲、黄伟文之于陈奕迅这样的好事。而《超人不会飞》这一自叙性作品意义恰好在于周董真正地做到了言之有物。作为一个流行乐坛之流水生产线上的流行天王，周董却如独立音乐人一般述说着自己的故事，人歌合一，这一瞬间如singer-songwriter般地纯粹，实属难能可贵。你说，与其在微博上关注音乐人的所谓日常生活，是不是不如听到他的一首表现主义的歌曲更有价值呢？

　　因此，《跨时代》对于周杰伦来说，归根结底还是要跨出“为什么要做音乐”的一步。很高兴周董已经直面责任感这一问题，也希望他能尽快地找出答案。

　　毕竟，贫瘠的华语乐坛确实太需要一个跨时代的偶像了。

（腾讯：http://ent.qq.com/a/20100525/000498.htm）

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　　流行歌手身上都贴着各种标签，让不足够了解他们但又要谈论他们的人顺手拈来，就如陈奕迅是二代歌神，谢安琪是草根天后，杨千嬅是大笑姑婆，陈冠希是摄影大师。这些标签对于歌手而言，有时是公司便于宣传故意打的包装，有时则是一个甩不掉的包袱。

　　作为向主流音乐say no反复尝试音乐其它可能性的香港歌手，作为把时尚理念和音乐电影融合行销的行业潮人，作为闲时只在家中煲碟听歌的文艺青年，麦浚龙身上的标签却只有一个：富二代。

　　富二代麦浚龙（说起来和花和尚鲁智深一样顺口）最近和日本动作片女星苍井空合拍MV《超生培育》，这个MV着眼恋物和恋尸，影像风格大玩cult片路线，歌曲则收录在麦浚龙4月份推出的新歌+精选专辑《Nothing Lasts Forever》。而据说，何超仪投资的《剖术者》已在香港粉岭开拍，麦浚龙和苍井空还将在戏中缠绵。此外，再加上迄今为止他参演过的三部电影，发行过的十一张专辑，创办的Chapel of Dawn潮牌，麦浚龙正在事业黄金期上拾阶而上。搭造这个阶梯，无论用的是真金白银，还是实力运气，我们都不要急着下结论。

　　让时间一点点往前退。

　　09年是麦浚龙成绩单上的高分年，《弱水三千》为他赢得了香港各大颁奖典礼的认可，其所在专辑《天生地梦》探讨生死轮回，谈佛道禅，是一张港乐概念专辑。玩主题，玩暗黑，麦浚龙的个人品牌多年来不偏不倚，基本原则坚定执行。我们顺藤摸瓜，很容易追溯到07年的《Chapel of Dawn》。

　　《Chapel of Dawn》至今为止仍然是麦浚龙的拳头产品。终于有一部分人，从这张大碟开始撕下富二代的标签看看这个人的内心戏。结果，他们惊艳于诡谲的电子乐、哥特式的曲风、话剧般完整的故事架构、称身合体的制作班底，以及一种被称诚意的品质。香港遍地歌手，没钱免谈诚意，统统沦为唱片流水线上的扯线木偶，至于有钱人家，铺钱出EP潇洒走一回的不在少数。麦浚龙有幸是个例外。很难说清楚青山大乐队、人山人海、Pixel Toy、林夕、黄伟文、周耀辉这些幕后英雄与麦浚龙的联姻，是政治婚姻还是情投意合，这注定是富二代瓜田李下的处境。

　　这数年间，麦浚龙把暗黑系的个人品牌扩张到电影圈和时尚圈。他拥有与B级片相称的外型身段和品位爱好，这自然不难与彭浩翔等恶趣味之人一拍即合，拍罢《破事儿》和《维多利亚壹号》，他自己执笔重口味电影《剖术者》的原创故事，并找到何超仪投资（毫无疑问，这多亏了富二代之间的良好情谊）。一个天天在家煲cult片的影迷，最后自己披甲上阵，我们隐约看到了梦想的催化剂。就像麦浚龙自己所言“我喜欢变态戏，如果要我拍戏，我第一个会找浅野忠信，你说我暗藏杀机？不如说我收起自己的理想，我的目标可能无人知，但我一天不完成它，便一天不会心息。”

麦浚龙早前接拍的广告硬照彰显独立姿态。

　　时间再往前退一点点，这时他不过是一个名副其实的富二代，手握数百万的制作费和宣传费迅速成为环球的力捧新人，并在舞曲和情歌糅杂的专辑中力求多几首派台，多几次亮相。当廿岁的他唱着耿耿于怀，与吴日言一起穿梭在香港街头，你无法知道他除了青春还有什么抢眼。现在看回去，那原来是一个潜心蛰伏的年轻人。

　　至于新歌+精选《Nothing Lasts Forever》，麦浚龙故意把旧歌放在新歌之前，是一种见证自己蜕变的方式。除了老搭档林夕周耀辉，麦浚龙的新歌找来了方大同，制作班底一如既往的扎实靠谱。在专辑中，环球时期作品《有人》和《没有人》是普通的canto-pop，但黄伟文巧妙的相反笔法，仍然是匠心别具。随着《耿耿于怀》这首大热KTV情歌的过渡，专辑来到Silly Thing时代的诡秘曲风。《雌雄同体》作为一首在主流和实验之间游刃有余的作品，当年为麦浚龙的转型起了个好头，专辑后半部分的《借火》、《吃鲸鱼的人》、《林民龙》、《写得太多》，都是逐渐开始叫好又叫座的作品。值得一提的是，专辑并没有收录《Chapel of Dawn》以及《天生地梦》的曲目，从另一方面支撑了这两张概念专辑各自的完整性，拒绝断章取义的解读。

　　这样一个风格鲜明的富二代，若去《非诚勿扰》，不知道灯会熄灭几盏。

　　不过幸好，我们还是很容易把他和其他富二代区分开来。

我有一个很不错的朋友，暂且称呼他为董兄。我用他来当楔子。

我想这个所谓圈子认识他的人不多，因为他实在太低调。作为某大型门户的音乐组组长，他一样地上早班、值班，一样地海量发稿，一样地热爱音乐而不是热衷于乱七八糟的人事关系，拼命地向大家推荐他所喜欢的侃爷、哈姆等等。他操着一口浓重且地道的北京口音，他在我来北京的第二天和即将离开北京的前几天各让我蹭了一次饭。他在我离开媒体圈之后还热心地跟我约稿。好吧，这个楔子够长了，开始说正事。

先用对话体吧。

我：对了，你身边有人跟你表示过，说你这个人怎么这么把老婆放在嘴边，之类的？

（注：董兄这几年间的QQ签名换过两次，分别是“永远爱妞妞”和“工作不闲聊。我结婚了，很幸福”。在企宣的心目中，是典型的好男人。）

董兄：还好吧，其实大家都没什么的。

我：怎么我有朋友表示不理解呢？

董兄：其实就是好面子，这个东西。

我：对了，问你一个。你看非诚勿扰吗？我猜，你绝对不看。

董兄：是的。什么破玩意啊！

我：我只看过王磊那场。我真搞不明白，为什么这么多男的想上这个节目。乱七八糟。

董兄：还不是想出名？包括那些模特儿，都想着怎样一夜成名。

董兄：而且，我觉得现在的媒体真是他妈的胡搞。都在宣扬这些价值观。这种东西根本就不应该报道。

我：你觉得，媒体拼命报道的东西，哪些是应该报道的吗？

董兄：什么兽兽啊，我擦，什么世道啊！

好了。回到正题。以上作为两个对老婆如黏黏族的两个男人的对话，两个对非诚勿扰压根儿没有兴趣的人的对话，引申出为啥我说非诚勿扰是一个大便节目。

如上所述，我只看过王磊的那段。关于王磊老师的演技，女性观众认为很到位，男性观众认为有点过，但我觉得王磊老师真是本色出演的。不仅给网易拉了这么一个深度合作，还自己披挂上阵，不容易不容易。之后还在豆瓣上看到黑刀老师的日志，然后读到其中一句话：“我常想，要是我去参加这个节目，24盏灯，能留下几盏，会不会所有24盏灯瞬间为我所灭。”

这句话是万恶之根源。

我们身处于是这么一个互联网时代，存在着无数一夜成名之可能性的时代。你可以没有地位，财富，或者才艺上的专长，但你可以找一个宿舍的哥们跟你一起对着 MP3配口型，可以在名校中摆出S型，可以练两个月吉他学四个和弦就上选秀，可以把自己的性爱视频被泄露。Youtube是一个伟大的网站，它是存在的，所谓土豆优酷等在中国只是学了其行，未有领会其之精神，所谓每个人都是自己生活的导演，尽管汉化了“Broadcast Yourself”，但却总是在传播着这么一些东西。国人不是在分享生活，分享思想，而是企图通过这一形式获得一夜成名的机会。成名就意味着商机，影响力就是金钱，《非诚勿扰》这一节目同样如此。

TV真人秀发展至今已经没有争论了。一方面，制作方是为了通过人性的丑恶公开化，获得收视率。另一方面，参加者则是借助节目某个主题或曰某个目的去实现自己一夜成名的目的。无论是选模特，选歌手，还是选老公，参加者无一例外不是为了师出有名而企图一夜成名。

很简单。如之前所说，具有模特儿、演唱之类的特长，可以参加超模或超男超女。还有选freak的节目，可惜这个类型在我国未能展开，不然凭借着B哥的绝技，一定红到发指了。可对于许多没有一技之长，没有铁布衫没有金钟罩的哥们来说，参加《非诚勿扰》是目前来说成本最低的方式了。对于男性来说，尤其是对于许多身无长物除了银子的富二代来说，参加这个节目跟去名校搞一次征婚没有太大的区别。而对于财富方面并非太过优越的人来说，没关系，这个节目从导向性来说，还有关注“个性”的另一面。展示个性，看有多少人为我买单，这就是黑刀老师所说的“24盏灯能留下几盏”。

对于女性来说，参加这个节目就更简单了。模特儿要能接更好的活儿，就必须要提高知名度。你可以选择被包养，但弄不好这老板喜欢玩滴蜡啥的就比较麻烦；或者是性爱视频被曝光，但这个毕竟有风险啊！相比之下，《非诚勿扰》绝对是一个无痛体验，以小博大，跟IPO申购差不多了（现在的市道不敢说……）。什么马诺，什么凤娇，拜托，够了，真的够了。你们的炒作方式能不能不要这么老土呢？

一句话，《非诚勿扰》是一个打着“万恶淫为首”，而实质却是“万恶名为首”的伪两性节目。

但我不知道为什么广大的观众总是那样，依旧为其买单。桥不怕旧，至紧要受。杀千刀的真人秀。杀千刀的媒体导向。

这就是为啥我在网易工作的最后一年几乎都在煎熬自己的内心的原因：我在传播错误的价值观给你们。

大学的时候，我要组band的时候，第一句话问的就是：你听beyond吗？现在，我要搞一个什么项目的话，恐怕第一句话问的就是：你看《非诚勿扰》吗？

悲夫。

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　　距离《青春无悔》十四年后，高晓松出落成一个满脸坑坑洼洼的中年胖子，混迹在各种选秀节目的评委席上，似乎没有人再去介意过他曾经作为旗手的那一切。时间没有为某人而停留，在《万物生长》的唱片文案里，高晓松依旧保留着他的知识分子的高傲与自恋，以及类似王朔的京城痞气，但新成长的歌迷如他的爱徒曾轶可的“可爱多”们应该不会对此买单。那么，谁会喜欢这张《万物生长》呢？

　　依旧还是渐入而立或者已经踏入并跨越着而立之年的我们。和《青春无悔》一样，《万物生长》依旧是找来了一班朋友们配唱。老狼《一个北京人在北京》依旧有着老狼式的朴实，即使狼哥已经淡出了主流乐坛、和地下音乐人们挨得更近，但他的心态很好，作品也保持着一贯的高水准，不浓不淡，刚刚好。在一众老名字当中，谭维维算是年轻的血液，《如果你》编曲和旋律、包括谭维维学院派的演绎都不得不让人想起另一位高老师的嫡系——叶蓓。这已经不是白衣飘飘的年代，这是钞票飘飘的年代，虽然谭维维很努力，但留给我们的只剩下唏嘘。《一叶知秋》是高晓松在五六年前的作品，当年作为新人出道的、还未走上性感之路的阿朵曾经在现场演绎过，如今陈楚生接过这杆枪，远远不止“一叶”耳，歌声中物是人非的无力感扑面而来。或许是先入为主的原因，刘欢、杨坤甚至水木年华在内，他们的演绎都让我感觉不太对味，尽管高晓松当年赖以成名的学生气已经被磨平，但毕竟还尚有残留一丝的青春尾巴，如你在高晓松本人演唱的《旧的童年》中听到的那样，淡淡地去涂抹昔日遗老遗少的尊贵，但刘欢、杨坤在气质上确实相去甚远。

　　总之，这是一张献给高自己、还有曾经青春过的那些人们。时间即使洗刷了理想，但青春依旧被定格在某个时刻与时空里，所有东西都改变了，但有些东西却一直都在，这其实是“万物生长”真正的含义。

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Jack Johnson《To The Sea》
厂牌：Island
时间：2010-06-01
尽管《To The Sea》从专辑名字上看跟Jack Johnson过往的冲浪男孩形象没有多大区别，但当你细听之下马上就会发现在其个人第五章录音室专辑中，做出了许多不同以往的改变。比如首播主打《You and Your Heart》，从一开始的厚实电吉他Riff开始，我们听到了浓重的披头四痕迹。即时是在专辑同名曲《To the Sea》中，有着Jack一贯的吉他扫弦、钢琴节奏和轻松自得的嗓音，但几下布鲁斯吉他的点缀还是带给了我们新鲜感，到了尾奏部分的Solo，那混浊的音色更让我们联想到白色条纹。连Jack自己也说，最近这段时间听了很多Radiohead和白条的音乐，而这些影响直接地就体现在新专辑里。但JJ的老歌迷也不好担心，《To The Sea》绝对不会是一张电声专辑，JJ还是那个JJ，温柔闲适，只不过在这个基础上融入了更多怀旧的空心电吉他音色。

陈永龙《日光